7 Cosas que pueden hacer con sus boletos del "Hell & Heaven"

• 7

  

  Cinta métrica
  "Estoy a un boleto de mi peso ideal"
• 6

  

  Concurso "Miss Hell & Heaven"
  
• 5

  

  Papel de baño
  
• 4

  

  Cinta de policía
  
• 3

  

  Limbo
  
• 2

  

  Cinturón de castidad
  
• 1

  

  Disfraz de revolucionario
  

Reseña de "The Land of New Hope" de Timo Tolkki's Avalon.

¿Qué les puedo decir de esta obra? Es uno de esos discos en los que llevas 4 canciones y sabes que cuando se acabe lo pondrás de nuevo.
No tenía muchos datos cuando lo conseguí y casi se me caen los calzones cuando escuché al genial Rob Rock en la voz, ese tipo no deja de sorprenderme por mas años que pasen y ensambla a la perfección en las composiciones de Tolkki.
Además de Rob, cantan Elize Ryd (Amaranthe), Russell Allen (Symphony X), Tony Kakko (Sonata Arctica), Sharon den Adel (Within Temptation) y Michael Kiske (Helloween, Place Vendome).

La primer canción se llama "Avalanche Anthem" y define lo que escucharemos en todo el disco, el sonido Tolkki. Si eras de los que creías que Stratovarius hubiera sido una banda perfecta sin los "gallitos" de Timo Kotipelto este disco te encantará. La canción suena como Stratovarius debería sonar si Tolkki no los hubiera dejado. Un placer escuchar a Russell Allen, Rob Rock y a Elize Ryd juntos.

Los mismos cantantes repiten en "A World Without Us", canción a medio tiempo donde los reto a no emocionarse con las notas altas de Rob Rock.

"Enshrined in My Memory" es el sencillo que sacaría Stratovarius, medio tiempo, melódico y pegajoso. El trabajo de Elize Ryd me gusta y mucho. Es una cantante con mucha expresión y feeling. Hay un video de esta canción aquí:https://www.youtube.com/watch?v=98mD8hvKKso&feature=kp

"In the Name of the Rose" cantada por Elize Ryd, Russell Allen y Rob Rock comienza como una tierna balada a cargo de Elize para continuar transformándose en un heavy a medio tiempo donde Rusell y Rob tienen oportunidad de demostrar su potencia.

Y aunque se que corro el riesgo de aburrir con las comparaciones con Stratovarius, no puede ser de otra manera con "We Will Find a Way". Me recuerda a "Hunting High and Low" pero con esteroides. Tony Kakko tiene el valor de cantar aquí junto a Rob Rock y se le respeta por ello.

En "Shine" cantan Elize Ryd y Sharon den Adel. Les gustará a los fans del metal cantado por mujeres. Es la que menos me gustó.

En "The Magic of the Night" el doble bombo de Alex Holzwarth (Rhapsody Of Fire) da pie para que Rob Rock nos vuelva a sorprender con su voz tan amplia, limpia y llena de matices. Después de un muy buen solo de guitarra y un puente, la canción regresa al coro con un tono mas alto. ¡Hazme un hijo Rob!

Una de las canciones mas interesantes del disco es "To the Edge of the Earth", es la mas rápida y participa Rob Rock en la voz. Lo que la hace tan interesante es que hay solos de teclado de Derek Sherinian (KISS, Dream Theater) y del buen Jens Johansson (Stratovarius, Yngwie Malmsteen's Rising Force, Dio) un placer para los oídos.

No me gustan las baladas. Son el tipo de canciones que siempre adelanto. Es mas, me cagan las baladas, sin embargo "I’ll Sing You Home" (Elize Ryd en la voz) me encantó (¿ven? no hay manera masculina de decir que te gusta una balada...)
Se me aguaron mis ojitos con el solo de guitarra de Tolkki, una melodía muy sencilla pero interpretada con un sentimiento escalofriante, melancólico y triste. En la vena de la última parte de "Twilight Symphony". Es un solo corto con un fondo lento y lúgubre que quisieras que no terminara nunca.

El disco termina con "The Land of New Hope". Con Michael Kiske a cargo de la voz. La canción sin duda está basada en "Keeper of the Seven Keys" y con Kiske en el micrófono mas se parece. La canción es suficiente para que los fans de Helloween mojen sus pantaletas. Es muy simple y bien hecha pero un poco repetitiva y cansada en su parte vocal.

En cuanto a la producción el disco es perfecto y escrito para escucharse completo.

La historia se desarrolla en el año 2055 en un ambiente post-apocalíptico:
"La mayoría de las grandes ciudades del Planeta Tierra están inundadas por tsunamis o destruidas por terremotos e incendios. Toda infraestructura y sistema de comunicación fue corrompido. La destrucción es total. Un pequeño grupo de sobrevivientes parte en aventura para encontrar un lugar sagrado conocido como La Tierra de la Nueva Esperanza (En inglés: The Land of New Hope). Este es un Viejo cuento de hadas que fue contado por décadas, pero muy pocos creyeron en él alguna vez. Ellos viajan lejos en un trayecto lleno de peligros y llegan donde una a divina, que los guía adelante. Ella les explica que La Tierra de la Nueva Esperanza existe, pero está bajo el cuidado de un Guardián y solo aquellos que son puros de corazón podrán pasar. Ellos vagan más hacia su último destino…." En palabras del mismo Tolkki.

Timo toca las guitarras y el bajo ademas de producirlo y componerlo.
Mikko Härkin (ex-Sonata Arctica, ex-Symfonia, Luca Turilli's Rhapsody) toca los teclados.

Cómprenlo pránganas.

Omar Jacobo

R.I.P. Paco de Lucía

Boston - Life Love & Hope {2013}

El disco de Boston "Life Love & Hope" ha tenido criticas variadas. A algunos no les gustó y a otros les encantó. 

Tom Scholz además de un gran músico es productor, ingeniero e inventor y tiene mucho trabajo que hacer así que se toma su tiempo entre disco y disco (sus 6 álbumes se han publicado en 1976, 1978, 1986, 1994, 2002 y ahora este en 2013) pero a pesar de esto su estilo está intacto. El disco sonará familiar para los fans pero no se repite a si mismo (aunque algunas canciones son versiones actualizadas de discos anteriores).

Scholz se vale de varios cantantes, entre ellos el fallecido Brad Delp.
Lo malo del disco es la batería. Es programada y suena fatal, el disco sería otro completamente si no fuera por este detalle.

Lo bueno: El sonido de las guitarras. No podía ser diferente para alguien que inventó el Rockman. Las guitarras te acarician con un sonido calido y profundo perfectamente balanceado y con una compresión natural que solo logras al usar bulbos y equipo analogico al grabar. Con este disco nos damos cuenta de lo bien que queda algo cuando usas cinta. Suena tan bien que si escuchas otro disco después, pensarás que algo anda mal con las guitarras.

Las voces son claras como el cristal y el disco en general está mezclado a la perfección, la masterización no tiene fallas, hay picos y la compresión y maximización es la adecuada y aun así, la grabación suena moderna.

Escuchenlo en CD para que se den cuenta de la verdadera calidad de la grabación. ¡O ya bajenlo en WAVs aunque sea! Como bien sabemos, el mp3 suena a popó.

Metallica en vivo en la entrega de los Grammys 2014

Black Sabbath - 13 | Nuestra reseña

Me gustó. Es un disco que necesita varias escuchadas (solo llevo una) pero creo que es digno. La producción es terrible, algo de lo que hablaré más adelante.

Afortunadamente y para molestia de Ozzy, no grabó Tommy Clufetos quien fue una opción que no me gustó nada desde que se anunció. Brad Wilk se encargó del lugar que Bill Ward no quiso tomar porque no le gustó lo que le iban a pagar (seguro que se está dando de topes ahora que se ha revelado que el disco vendería casi 150,000 discos en su primera semana, solo en Estados Unidos, dónde están en primer lugar en las listas de ventas, por primera vez en su carrera). 

Iommi es impresionante como siempre. Pasan las décadas y no deja de crear y crear riffs asesinos y solos rápidos y con mucho feeling. 

A pesar del sonido general del disco, por ahí se escucha a Geezer Butler aporreando su bajo con mucho estilo como solo él sabe hacerlo, además de escribir todas las letras. Los créditos de la música son de Butler, Iommi y Osbourne.

Por Ozzy es por quien se notan más los años (o los abusos) pero suena mejor de lo que esperaba. Se siente bien escucharlo sobre la base que lo dio a conocer y no trabajando con un alcohólico haciendo armónicos cada 5 segundos (lo siento, el estilo que ha desarrollado Zakk Wylde a través de años de chupe me recontra-caga).

El sonido apesta. Simplemente apesta.

Rick Rubin es una de las más grandes desgracias sónicas que existen en la actualidad. Como productor tiene mucha visión y le agradecemos que no dejara que grabara Clufetos sustituyéndolo por Wilk, quién le entra más al jazz y al blues, más del estilo del clásico Sabbath; pero esa maña que tiene de saturar y comprimir todo al límite mató la dinámica de la música. Tal vez se está quedando sordo o simplemente le da flojera mezclar y masterizar correctamente, solo quiere que todo suene más fuerte que cualquier otro disco. El simplemente comprime, comprime y comprime. Su contratación fue una muy mala idea. De hecho, por el bien de los oídos de la humanidad, nadie debería contratarlo nunca más.

Algunas canciones se te pegan y se quedan ahí, “End of the Beginning” nos recuerda a la icónica canción “Black Sabbath” y funciona muy bien. “Dear Father” es una verdadera joya, un placer de principio a fin. ”Loner” bien podría estar en alguno de sus discos grabados en los 70’s, “Zeitgeist” es un auto plagio de “Planet Caravan” con percusiones y bocina rotatoria en la voz incluida y en general todas las canciones tienen lo suyo, sin parecer que haya alguna de relleno. 

Esto es un regreso digno, tal vez no tiene la fuerza ni la calidad interpretativa de “The Devil You Know” de Heaven and Hell, pero si es mucho mejor que lo que ha estado haciendo Ozzy Osbourne en los últimos 20 años (por lo menos).

Espero que hagan otro.

Omar Jacobo

Tommy Lee defiende a las orcas torturadas de Sea World.

Tommy Lee quiere evitar que pongan música (en especial de Motley Crue) en un espectáculo de Sea World donde se tortura a las orcas con música a 90 decibeles mientras las obligan a hacer trucos para el público.

La carta enviada a John T. Reilly dice: “Le escribo para pedirle que no toque canciones de Motley Crue en ninguno de los parques de Sea World mientras esté este triste espectáculo. Aunque nos gusta torturar a los fans humanos que vienen libremente a nuestros shows, no queremos ser parte del infierno que viven estos animales inocentes.”

Eres grande Tommy Lee. Y eso lo sabe Pamela Anderson, la mitad de las mujeres de Los Angeles y los que vimos tu mejor y más famoso video.

http://alturl.com/beti8

México es amor

Paul McCartney: vitalidad vegetariana

A Diana y Toni

Nunca pensé asistir a un concierto de Paul McCartney en México. Los precios lo hacían incosteable, los boletos se agotaban en las primeras horas y no soy particularmente fan de su música, pero sí de su  activismo en pro de los derechos de los animales.

Sir Paul McCartney es la imagen de una campaña de PETA (Personas por la Ética en el Trato hacia los Animales), titulada "Meat Free Monday" o "Lunes Sin Carne". Esta es una propuesta conjunta del músico británico y sus hijas Mary y Stella -quien es la diseñadora de ADIDAS y su línea no contiene cuero- que invita a dejar de comer carne un día a la semana. El objetivo es combatir el calentamiento global, concientizar sobre el impacto de nuestra dieta en el medio ambiente y en nuestra salud y advertir sobre el maltrato animal implícito en una dieta omnívora.

"Deberíamos preocuparnos por el cambio climático porque si no lo hacemos vamos a dejar a nuestros hijos y nietos en un completo desastre". "Muchos de nosotros nos sentimos impotentes de cara a los desafíos medioambientales, y puede ser difícil saber cómo podemos hacer una contribución para un mundo más limpio, saludable y sustentable. Tener un día sin carne por semana es un cambio significativo que cualquiera puede hacer y que va al corazón de varias cuestiones éticas, ambientales y políticas al mismo tiempo", dice McCartney. quien es vegetariano desde hace más de 30 años.

Su transición comenzó cuando una vez casado con Linda, decidieron comprar una casa en la campiña y criar animales. Un domingo, mientras comían cordero asado, miraron a las ovejas que correteaban en el pasto y pensaron: "Estamos comiendo uno de esos seres que ahora juega allá afuera. No queremos eso", cuenta Paul.

A partir de ese momento, disminuyeron su consumo de animales  hasta hacerse vegetarianos. "Es la mejor decisión que he tomado", dijo Paul a Ingrid Newkirk, Presidente de PETA. Obviamente, el cambio en su alimentación llevó consigo una postura más firme respecto al resto de las áreas donde los animales son utilizados: espectáculos, laboratorios y vestimenta.

Una serie de factores se conjuntaron para que asistiera al concierto del ex Beatle en el zócalo capitalino. Mi buena suerte hizo que un periodista de Once Tv me reconociera y ayudara a llegar hasta la Plaza de la Constitución -ya no se permitía el acceso desde hacía horas- desde donde pude apreciar en las pantallas gigantes, a este creativo septuagenario vegetariano.

Niños, adolescentes, jóvenes, adultos, gente de la tercera edad tuvo la oportunidad de disfrutar gratuitamente de un buen espectáculo cultural. Porque la música sí es cultura, no la tortura de animales. Daba gusto verlos bailar, sonreír y corear las canciones durante más de una hora que duró el concierto que reunió a más de 80 mil personas.

Paul es un hippie de corazón. Por más que vista impecablemente y con prendas probablemente de finas marcas, lo que él representa es histórico: una época de ideales, de romper cánones, de despertar de la conciencia y de liberación en muchos sentidos. Sus canciones hablan de amor, de sueños, de magia, del universo, de paz. Me hizo desear que hubiera más hippies como él, que utilicen su fama para difundir un mensaje de respeto a otras especies.

A mi ciudad le hizo bien este espectáculo, a mí me también. Cuando coreamos la canción "Give Peace a Chance", el público hizo con los dedos el signo de amor y paz, y fue como si en ese momento, olvidáramos que vivimos diariamente inmersos en olas de violencia, de la que estamos continuamente informados, y del malestar que eso nos genera. Hablar ingés o no era lo de menos, la letra parecía formar parte de una antigua y por todos conocida sabiduría.

Los granaderos bajaron la guardia -había uno que en su escudo llevaba una calcomanía de The Beatles- y todos juntos mandamos, conciente o inconscientemente, ese mensaje de anhelo de paz.

Quiero creer que alguien que lleva la paz a su dieta y no consume el dolor de otros animales, logra transmitirlo con su sola presencia. Paul McCartney es excelente músico y lo que me hace admirarlo más es que es coherente con la idea de mundo que transmite en sus canciones.

Para ver entrevista de Paul McCartney y vegetarianismo: http://www.youtube.com/watch?v=Kt2KCORoAw0

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http://blogs.eluniversal.com.mx/weblogs_detalle16308.html

Tema de Stars Wars cantado por un solo tipo.

Cómo "componer" reggaetón.

Sobre Paul McCartney en el Zócalo...

La generación Zoé

JUAN PABLO PROAL. ANÁLISIS

Jóvenes en el Vive Latino.
Foto: Alejandro Saldívar

“La indiferencia es el apoyo silencioso a favor de la injusticia”: Jorge González Moore

MÉXICO, D.F. (apro).- El canto de los jóvenes mexicanos está nublado de evasión. A pesar de que el sistema le cerró las puertas en su cara, una parte representativa de esta generación esquiva su realidad con versos dedicados a la vía láctea.

Apenas en 1997 las disqueras, espantadas, censuraron al grupo Molotov por mofarse del rostro de los noticieros de Televisa, Jacobo Zabludovsky, con su canción “Que no te Haga Bobo Jacobo”. Hoy, quince años después, con un país convertido en un cementerio a la intemperie, los grupos de rock reflejan una nación de cuentos de hadas.

Hablo de la generación Zoé, que gasta su quincena de contestador de teléfonos en un boleto del Vive Latino. La que pasó más de cinco años en la universidad y ahora está deprimida en el subempleo. En vez de alzar su voz, de repudiar su situación, se regodean de su indiferencia.

Los grupos de rock mexicanos que predominan en la estación Reactor, perteneciente al Instituto Mexicano de la Radio (operado por el gobierno federal) son prácticamente los mismos que difunde Ocesa, promotora del Vive Latino. Basta escuchar un par de horas su programación para enterarse que a estas bandas no les interesa su país.

Veamos la letra de la canción “Bomba de tiempo”, de Los Concorde: “No habrá final feliz, ni palabras de aliento, lo importante es disfrutar cada momento”. O “Memorama”, de Alison: “Triste es de pronto ver tu MySpace y ver que ya no estoy en tu top y ver que están las fotos que también yo tomé” .

O qué tal “Cualquier forma de amor”, de Los Claxons: “Y llegaste tu, y has inundado
mi alma de tranquilidad, ya no aguanto tantas ganas de llorar de la felicidad”.

No son diferentes las letras del resto de los grupos de moda.

Las bandas de rock mexicanas no han sido siempre así. En 1978, un amplio colectivo conformó la Liga Independiente de Músicos y Artistas Revolucionarios (LIMAR). Algunos de sus integrantes eran José Cruz Camargo (fundador de Real de Catorce), Los Nakos, León Chávez Texeiro, Guillermo Briseño y Rafael Catana. La mayoría era militante del Partido Comunista Mexicano.

Años atrás, Alejandro Lora había ganado popularidad, en gran parte, por el contenido de sus letras: “Y las tocadas de rock, ya nos las quieren quitar, ya sólo va a poder tocar, el hijo de Díaz Ordaz”.

A principios de los ochenta, una nueva camada de músicos politizados se conformó en el Foro Tlalpan, sitio fundado por el cineasta Sergio García. Ahí comenzó Rockdrigo González, el poeta urbano de la ciudad de México. También Jaime López, rudo crítico de todo lo establecido. Y Real de Catorce, con los poemas crudos de José Cruz.

Por su extensión, este artículo no puede hablar a detalle de las fechas emblemáticas del rock nacional, pero a mediados y finales de los ochenta surgieron más grupos que hablaban del entorno social. La Maldita Vecindad, Botellita de Jerez, Santa Sabina y La Castañeda, son algunas de ellas. Los noventa no estuvieron exentos de grupos críticos: Café Tacuva, Molotov y Control Machete, por citar los más representativos.

Cada uno de estas bandas confrontó al sistema y retrató los abusos de su época. Algunos incluso sufrieron persecución y censura por parte de disqueras y la televisión pública.

El filósofo alemán Herbert Marcuse observaba que la generación de los sesenta estaba tan politizada, en gran parte, porque sus líderes, los músicos, eran personas informadas y activas. Los seguidores de las bandas mencionadas no sólo las admiraban por sus melodías, sino porque sentían su realidad reflejada en sus letras.

De regreso a este 2012, año electoral, si escuchamos a los grupos de rock podemos también entender la indiferencia de gran parte de esta generación. No hablan de la guerra contra el narcotráfico, del desempleo, de la exclusión, del estado militarizado ni de las muertas de Juárez. En cambio, prevalecen canciones sobre amores y desamores. Si bien existen bandas independientes que aún están interesadas en la injusticia, la oferta comercial es abrumadoramente más poderosa.

En los pasados comicios federales de 2009, el 65.6 por ciento de los jóvenes de entre 25 a 29 años no votó, tampoco el 64.6 de los que tienen de 20 a 24 años.

Un reciente estudio del Departamento de Sociología de la UAM Iztapalapa concluyó que el 75 por ciento de los jóvenes mexicanos no votará en las próximas elecciones federales. Las razones que argumentan: desaliento y exclusión.

Decía Albert Camus que “el artista debe estar siempre con aquellos que padecen la historia, no con los que la hacen”; justo los grupos de rock deberían aportar su capacidad de mover masas para eliminar este silencio generacional tan cómodo para quienes lucran con el país.

Contacto: www.juanpabloproal.com

Twitter: @juanpabloproal

http://www.proceso.com.mx/?p=304225

Debuta la prodigio mexicana de nueve años

Debuta la prodigio mexicana de nueve años 
Una niña pianista se convirtió en la protagonista de la temporada de conciertos de la Orquesta Filarmónica de Jalisco 
 
Una pianista de apenas nueve años se convirtió en la protagonista de la temporada de conciertos de la Orquesta Filarmónica del estado de Jalisco (OFJ), al estrenarse como solista de la formación musical. 

Con un amplio historial de actuaciones en Estados Unidos, España e Italia, la pequeña se presentó por primera vez como solista con la Filarmónica de su tierra natal para interpretar al piano melodías de autores como Wolfgang Amadeus Mozart. 

Con dos ramos de flores al brazo tras su actuación, Daniela Liebman dijo que le apasiona tocar el piano y sentir el aplauso y la calidez del público. 

“Me gusta mucho tocar porque puedes hacer sentir cosas a la gente que no puedes hacer sentir con las palabras”, afirmó la pequeña, tras firmar autógrafos y tomarse fotografías con los asistentes al concierto, que tuvo como escenario el Teatro Degollado de Guadalajara. 

Heredera de la tradición de una familia de músicos, Daniela es considerada “una niña prodigio”, pues comenzó a tocar el instrumento a los tres años y como profesional a los seis, dijo su maestro, el afamado profesor, compositor y director de orquesta Anatoly Zatin. 

“Las personas talentosas lo son en todo y ella tiene una habilidad innata y empezó en una edad correcta”, declaró el músico, quien ha adoptado a Daniela como una de sus discípulas predilectas por el talento que demuestra en sus interpretaciones. 

De lunes a miércoles su vida es como la de cualquier niña de su edad, pues acude a la escuela primaria donde cursa el cuarto grado, hace sus deberes, se distrae con videojuegos y navega por internet. 

Los restantes días de la semana Daniela viaja a Colima, a unos 200 kilómetros de Guadalajara, la capital de Jalisco, donde Zatin es director del Instituto Universitario de Bellas Artes. 

Ahí pasa entre tres y cuatro horas al frente del piano, “un ritmo bastante pesado”, afirma su maestro. 

El esfuerzo parece dar frutos pues, a su corta edad, Daniela Liebman ha actuado en el Festival Varallo Internacional Piano, de Milán (Italia), en el de Elan (Texas, Estados Unidos) y ha ofrecido múltiples conciertos en varios estados de México. 

“No ha sido difícil porque no puedes ponerte nerviosa de algo que te gusta hacer”, afirmó confiada la pequeña, quien el año pasado ganó el concurso de música Noche en Madrid (España). 

Su futuro es promisorio, pero el camino es largo, pues Daniela tendrá que estudiar unos 16 ó 19 años más si quiere llegar a ser una concertista reconocida, siempre y cuando el apoyo familiar se mantenga y ella misma decida seguir dedicada a la música, enunció Zatin. 

Pero ella se muestra segura de su única meta, que es llegar “a lo más alto” en el mundo de la música: “No creo hacer otra cosa, quiero seguir tocando el piano”, agregó. 

En abril próximo, Daniela tocará en San Petersburgo (Rusia) con motivo del LXXX Aniversario de Sergei Slonimsky, uno de los compositores más reconocidos en música contemporánea, y en junio participará en el Russian International Music Competition en San Jose (California, EU). 

¡Qué difícil es hablar el español!

¡Cómo han pasado los años...!